Affrontare un progetto artistico comporta sempre una serie di sfide, e questa avventura ha rappresentato per me una doppia sfida. Da un lato, dovevamo confrontarci con le nostre aspettative, mentre dall’altro il pubblico si aspetta sempre che dimostriamo risultati concreti.
Come fotografi, il nostro obiettivo è trasmettere attraverso le immagini le emozioni vissute sul posto e condividerle con tutte le persone che guardano le nostre fotografie, chiunque esse siano.
Durante tutto questo progetto mi sono trovato a realizzare ritratti davanti a una telecamera, cosa che si è rivelata una sfida enorme. Dovevo considerare sia il soggetto sia l’ambiente circostante, restando allo stesso tempo concentrato sugli spettatori presenti e sulle riprese continue del documentario.
Se mi fossi concentrato soltanto sulla mia fotografia, avrei perso il legame con chi guarda, contraddicendo così il vero scopo del mio lavoro: trasmettere emozioni e riflessioni, condividendo al tempo stesso gli incontri e le difficoltà delle persone che scopriamo nel film.
La luce della Lapponia a gennaio è straordinaria, una sorta di tramonto perenne con una tonalità rosata che persiste per ore: un vero sogno per i fotografi. Tuttavia, la temperatura oscilla tra i -35 e i -15 gradi Celsius, se siamo fortunati, e questo fattore può trasformare rapidamente un momento idilliaco in un vero incubo.
In questo tipo di progetto esiste un’incertezza costante. Se da un lato offre l’opportunità di creare legami significativi e vivere emozioni intense, dall’altro comporta importanti sfide tecniche e umane.
Non avevo mai davvero sperimentato un freddo così estremo prima di allora, e sapevo ben poco del suo impatto sia su di me sia sulla mia attrezzatura. Per dare un’idea, i cristalli liquidi del mirino della mia fotocamera hanno iniziato a funzionare male dopo pochi minuti, e alcuni non sono mai più tornati alla normalità. Anche il mio telefono ha sofferto, anche se fortunatamente ha resistito un po’ meglio.
Un’altra grande sfida, che può essere dannosa per l’attrezzatura, è la condensa. In queste condizioni non puoi rifugiarti rapidamente al caldo, perché sarebbe come immergere l’attrezzatura in un lago. Abbiamo dovuto creare zone di transizione termica, dal bagagliaio dell’auto al patio, poi all’ingresso e così via. Tutto diventa più complicato, più estremo in circostanze come queste, ma i paesaggi e gli incontri fanno sì che ne valga assolutamente la pena.
Lavoro con l’attrezzatura Elinchrom fin dall’inizio, ed è sempre stata una delle mie compagne di viaggio più fedeli. Per questa avventura in particolare ho scelto di utilizzare il nuovissimo Elinchrom FIVE principalmente per due motivi. Durante uno shooting, le sessioni di ritratto sono rapide e improvvisate. Non c’è uno studio confortevole né uno schermo sofisticato per il ritocco. Dovevamo fotografare le persone ovunque le incontrassimo, indipendentemente dal meteo e dalle condizioni di luce.
Elinchrom FIVE è un flash incredibilmente potente, che mi ha offerto opzioni molto preziose nell’improvvisare un ritratto. Con questo posso rafforzare una scena in controluce oppure illuminare una persona e l’ambiente circostante più ampio, se necessario. Inoltre, la sua lunga autonomia mi ha dato ancora più sicurezza, perché il freddo scarica rapidamente le batterie, come ho potuto constatare.
Ci sono stati momenti in cui ho dovuto tenere il flash con la mano sinistra mentre con l’altra tenevo la fotocamera. Questo rappresenta una sfida a causa del peso dell’attrezzatura, ma questo piccolo disagio mi costringe a lavorare con estrema rapidità, rendendo lo scatto istintivo. Fa davvero parte del mio DNA da ritrattista lasciare che il momento accada senza pensarci troppo, viverlo in modo intuitivo senza sapere davvero quale sarà il risultato.
Per quanto riguarda l’illuminazione, per me era essenziale viaggiare leggero. Per quasi tutti i miei ritratti utilizzo la Rotalux Square Softbox da 70 cm (27″) per la sua praticità in viaggio. È ideale per i ritratti ravvicinati, ma combinata con la potenza di Elinchrom FIVE mi permette anche di illuminare un’area più ampia mantenendo il soggetto come punto focale del fascio di luce. A mio parere, è una combinazione indispensabile.
Alla fine, è proprio grazie a queste sfide che l’avventura diventa così magica. Essere al centro di un programma televisivo è un’esperienza unica e arricchente, ma soprattutto è un modo ideale per condividere la mia arte, e l’arte in generale, con un pubblico più ampio. Nonostante alcuni inconvenienti iniziali e le dita dei piedi intorpidite, abbiamo insistito, così come ha resistito l’attrezzatura. Il mio iPhone ha avuto qualche problema, mentre Elinchrom FIVE è rimasto affidabile, e questo è rassicurante. D’altronde, non mi aspettavo niente di meno dai prodotti dei miei amici svizzeri, che mi accompagnano fin dall’inizio di questa meravigliosa avventura.
Philippe Echaroux, fotografo e ritrattista nato nel 1983, è il creatore di Street Art 2.0. Le sue proiezioni luminose portano messaggi forti nelle strade di diverse città, tra cui Barcellona, Marsiglia, Parigi, L’Avana, Val d'Isere e Crans-Montana. Scegliendo strategicamente luoghi come edifici, alberi, ponti e siti legati a eventi significativi, Echaroux li illumina con il suo light graffiti e li fotografa. Nell’aprile 2016 ha fatto la storia portando la street art nel cuore della foresta amazzonica, proiettando immagini della tribù Suruí sugli alberi. Oltre all’estetica, il lavoro di Echaroux ha uno scopo politico: sensibilizzare sulla condizione delle foreste e difendere l’ambiente. È un artista impegnato, dedicato ad affrontare le crisi ecologiche che il nostro pianeta si trova a vivere.